Sehr viel mehr ist über den neuen Rowling noch nicht bekannt, aber immerhin wissen wir, dass sie diesmal nicht für Kinder, sondern für Erwachsene schreibt. Entsprechend hat sie den Verlag wechseln müssen und ist nun bei Little, Brown untergekommen. Wie viel der Verlag für das Privileg gezahlt hat, ist ebenfalls unbekannt.

Bühne frei also für wilde Spekulationen. Einen Hinweis gibt es aber doch: David Shelley ist auf Krimis und Thriller spezialisiert und war zwei Jahre lang Chef der Little, Brown Crime-Abteilung. Zu den Autoren, die er betreut hat, gehören Val McDermid und Carl Hiaasen, Denis Lehane (der Autor von sowohl Mystic River als auch Shutter Island) und Jeff Abbott.

Auch von J. K. Rowlings Seite aus hört sich diese Theorie plausibel an, schließlich sind die Potter-Romane von Band zu Band immer finsterer geworden.

Mehr Informationen hat Little, Brown noch für dieses Jahr versprochen – in Anbetracht dessen, dass die Zusammenarbeit von Rowling und Shelley aber noch nichtmal angefangen hat, dürfte es noch eine Weile dauern, bis wir das fertige Buch dann tatsächlich in den Händen halten.

Armer Johnny Blaze. Während einige seiner Marvel-Kollegen wie Spider-Man, Captain America, Iron Man und die X-Men in respektablen Blockbustern auftreten, ist der Ghost Rider, zusammen mit Blade und Daredevil, in die ewige B-Movie-Ecke verbannt.

Immerhin kann man den Produzenten einen gewissen Mut nicht absprechen. Nachdem der erste Ghost Rider-Film (von Daredevil-Regisseur Mark Steven Johnson) bei Kritikern und Publikum gleichermaßen gefloppt ist, hätten die meisten Studios mindestens den Hauptdarsteller ausgetauscht und den Film als Reboot angelegt, wenn nicht sogar die Franchise komplett eingemottet.

Ghost Rider: Spirit of Vengeance wird aber aller Vernunft zum Trotz als Sequel vermarktet und Nicolas Cage ist wieder Johnny Blaze. Der, seit einem unklugen Teufelspakt zeitweise von einem Dämonen in Gestalt eines brennenden Skeletts besessen, ist diesmal in Osteuropa unterwegs, um (gemeinsam mit Sidekick Idris Elba) zu verhindern, dass der kleine Danny zum menschlichen Gefäß des Teufels – und damit zum Auslöser der Apokalypse – wird.

Der Plot klingt nach purer B-Movie-Magie, und Spirit of Vengeance nimmt sich tatsächlich nicht übermäßig ernst, denn die Produzenten haben, um dem Kadaver der Ghost Rider-Franchise neues Leben einzuhauchen, die Crank-Macher Brian Taylor und Mark Neveldine engagiert. Die beiden Regisseure greifen tief in die optische und erzählerische Trickkiste und streuen neben stylischer over-the-top Action auch originelle und effektive Zeichentrick-Sequenzen ein. Vor allem die Verwandlung sieht diesmal um einiges schmerzhafter und weniger albern aus; wenn sich die Haut abschält und der Schädel anfängt zu brennen, geht das offenbar nicht ganz ohne Schmerzen.

Aber während die Effekte stimmen, die Action gut gefilmt ist, der Film nicht an überzogenen Performances (allen voran Cage und sein Gegenspieler Ciarán Hinds) und trashigen Kurzauftritten (Christopher Lambert) spart, springt der Funke nicht so recht über. Schuld ist daran vor allem das Drehbuch, das unter anderem aus der Feder von David Goyer stammt, Autor der Blade-Trilogie und Co-Autor von Filmen wie The Dark Knight und Dark City. Spirit of Vengeance spielt da in einer anderen Liga: Die Story mischt Versatzstücke aus anderen (besseren) Filmen mit Horror- und Action-Klischees zu einem unausgegorenen B-Movie Brei, der sich zwar leidlich für angetrunkene Videoabende eignet, aber weder gut noch schlecht genug ist um richtig Spaß zu machen.

Auch der 3D-Effekt verbessert den Film nicht. Die Technik wird ohnehin zu selten geschmackvoll eingesetzt (obwohl Filme wie Tim und Struppi und zuletzt Hugo beweisen, dass das nicht unmöglich ist), aber die nachträglich hinzugefügte dritte Dimension (auch bekannt als „post conversion 3D“) in Spirit of Vengeance setzt kein Stück auf Bildtiefe, sondern komplett auf Effekte, die aus der Leinwand herausschießen – und das nicht einmal überzeugend. Der Film sieht in 2D, sprich mit einem zugekniffenen Auge, besser aus.

Der neue Ghost Rider ist zwar in fast jeder Hinsicht besser als sein Vorgänger, aber das ist höchstens eine lauwarme Empfehlung. Als Trash ganz passabel, aber wenn man das Talent vor und vor allem hinter der Kamera bedenkt (Goyer, Tayler und Neveldine), hätte Spirit of Vengeance einfach um Längen besser sein müssen.

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Attack the Block

Drive

Sequels & Reboots 2011

PopKulturSchock bespricht die zweite Staffel von The Walking Dead - mehr oder weniger frei von Spoilern für die aktuelle Episode, möglicherweise aber mit Details zu früheren Folgen. You have been warned.

Für gutes Drama gilt: Der Weg ist das Ziel. Egal wo die Charaktere am Ende rauskommen, wichtig ist, wie sie dort hingelangen. Bei The Walking Dead gilt dagegen: Der Weg ist der Weg. Alles hat einen Grund und jede  Szene führt irgendwohin, aber bis es soweit ist, sind erst mal zähe Dialoge und Langeweile angesagt.

Immerhin gibt es über den Anfang von „Am Abzug“ nichts zu meckern. Der etwas aus der Luft gegriffene Cliffhanger von letzter Woche führt in einen Teaser, in dem ein Zombie versucht, sein Gesicht durch Loris Windschutzscheibe zu pressen. Währenddessen finden Rick (der immer mehr zu “Comic”-Rick wird), Hershel und Glenn heraus, dass „Tony und Dave“ in der letzten Folge ebenso schießwütige Freunde dabei hatten und verbarrikadieren sich in der Bar.

„Am Abzug“ beginnt mit zwanzig Minuten, die an Suspense schwer zu übertreffen sind. Auch die Kamera ist erstklassig: The Walking Dead sieht meistens gut aus, aber die atemlose, klaustrophobische Bar-Szene gehört nicht nur zu den spannendsten der Serie, sondern auch zu den am besten inszenierten.

Aber einen spannenden ersten Akt voller moralischer Ambivalenz kann man nicht einfach so auf sich beruhen lassen, nicht wahr, The Walking Dead?! Die zweite Hälfte ist vollgepackt mit unlogischen Entscheidungen, ziellosen Charakteren und genau der Art unsubtiler und soapiger Dialoge, dank derer die erste Hälfte der Season immer wieder auf dem schmalen Grat zwischen Valium und Zeitverschwendung gewandelt ist. Daryl, eigentlich einer der interessantesten Charaktere, scheint hauptsächlich zu existieren, damit Carol nach dem Tod ihrer Tochter einen Grund hat, in der Serie zu bleiben. Damit hat sie T-Dog etwas voraus, der inzwischen nur noch vorkommt, weil die Produzenten offenbar Skrupel haben, den einzigen schwarzen Charakter in The Walking Dead umzubringen.

Immerhin kündigen sich große Ereignisse für die kommenden Folgen an: Der epische Showdown zwischen Rick und Shane, seit der ersten Staffel angedeutet, aber immer wieder aufgeschoben, scheint endlich in greifbare Nähe zu rücken.

“Triggerfinger” verbindet das, was The Walking Dead am besten kann – Suspense, Action und bedrohliche Stimmung mit den Achillesversen der Show (ja, in diesem Fall gibt es mehr als eine!), nämlich Charakterzeichnung und Dialoge. Wenn ich die zwei Hälften der Folge individuell benoten könnte, wäre die erste eine 1 und die zweite eine knappe 3.

Anmerkungen:

• Kinder lachen drüber, aber in der Welt von The Walking Dead ist „Ich beiß dir die Nase ab“ keine leere Drohung!
• Lori verhält sich komplett out-of-character. Schwangerschafts-Hormone oder einfach nur schlechte Autoren?
• Die Nacht hat viele Augen – Daryl Dixon hat viele Ohren

Was bisher geschah:

3.01 Zukunft im Rückspiegel / What Lies Ahead 

3.02 Blutsbande / Bloodletting

3.03 Die letzte Kugel / Save The Last One

3.04 (Die) Cherokee Rose

3.05 Chupacabra

3.06 Beichten / Secrets

3.07 Tot oder Lebendig / Pretty Much Dead Already

3.08 Nebraska

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Graphic Novel - The Walking Dead 1

Filme 2012

Feed (Teil 1 der Newsflesh-Trilogie)

Nach nur ein paar Monaten schon der nächste Spielberg! Heute läuft Gefährten in den Kinos an, wir knüpfen ihn uns im Filmkritik-Sparring vor.

Kai:

Zwei Seelen wohnen ach in Steven Spielbergs Brust. Zum einen ist er ein großes Kind, ein naiver Geschichtenerzähler, der Abenteuer wie Jurassic Park oder zuletzt Tim und Struppi inszeniert wie kein anderer. Gleichzeitig beschäftigen ihn in Filmen wie Schindlers Liste, München oder Die Farbe Lila existenzielle Fragen. War Horse (deutscher Titel Gefährten), Spielbergs neunundzwanzigster Spielfilm, steht zwischen diesen Welten. Er handelt von Klassenkampf, Krieg und Tod, aber durch das naive, verspielte Objektiv des optimistischen 80er Spielbergs, der uns E.T. und Jäger des verlorenen Schatzes beschert hat.

War Horse basiert auf einem erfolgreichen Bühnenstück, das wiederum eine Adaption eines Bestsellers ist. In der Geschichte geht es um Freundschaft, Familie, Abenteuer, Krieg und Tod. Ungewöhnlich daran: Der Protagonist ist ein Pferd.

Auf dem Papier ist Gefährten, halb Erster-Weltkrieg-Historiendrama, halb Tierfilm, ein ungewöhnlicher Stoff für Spielberg, aber der Eindruck trügt – schon in der ersten Szene, in der der zukünftige Besitzer Albert mit großen Augen sein Pferd Joey durch den Zaun beobachtet, fängt der Regisseur gekonnt (mit virtuoser Unterstützung von John Williams) die naive, kindliche Faszination ein und erzeugt damit seine ganz eigene eine Art von Magie.

Das erste Drittel von War Horse ist pures Historiendrama, und spielt mit bekannten Charaktertypen wie dem ewig betrunkenen Vater mit gutem Herz, der gütigen, sorgenden Mutter und dem geldgierigen Grundbesitzer. Spielberg weiß, wie dick aufgetragen diese Figuren sind (respektive over the top gespielt von Peter Mullan, Emily Watson und David Thewlis) und legt filmisch entprechend viele Briketts ins Feuer und beschwört das klassische over-the-top Kino der goldenen Hollywoodzeit herauf.

Strukturell ähnelt War Horse vor allem dem kanadischen Film Die Rote Violine, in dem eine Geige über Generationen von Besitzer zu Besitzer wandert. Auch das Pferd Joey ist keine echte Hauptfigur (obwohl es stellenweise Lassie-artige Intelligenz an den Tag legt), sondern wird oft zu einem narrativen Werkzeug, das der Geschichte erlaubt, beliebig Handlungsort und Perspektive zu wechseln, und so in kurzen Episoden das Leben von Menschen auszuleuchten, die durch den Krieg in die verschiedensten Lebensumstände geraten sind.

In der beeindruckendsten und besten Szene treffen sich ein deutscher und ein britischer Soldat im Niemandsland, um das verletzte Pferd aus dem Stacheldraht zu befreien, während ihre Kollegen in den Schützengräben den Atem anhalten.

Zu solchen dramatischen Höhen schwingt sich War Horse nur selten auf, aber Spielberg zeigt, dass er noch immer eine Geschichte erzählen kann wie kaum jemand anders. Die Geschichte hat ein paar Längen und hin und wieder hätte John Williams Musik gerne mal eine Szene aussitzen können, aber alles in allem ist War Horse purer 80er-Spielberg. Voller großer Gefühle, meisterhaft in Szene gesetzt und bei aller Tragik durchtsetzt mit naiv-optimistischer (und zugegeben anachronistischer) Spielberg-Magie.

Desirée:

War Horse ist einer von diesen großen Spielberg-Filmen, wo die einen im Kino sitzen und denken: Für so etwas ist Film erfunden worden, und die anderen sich manipuliert und zu großen Emotionen gezwungen fühlen.

Ich persönlich habe mich bei War Horse – und zwar zum allerersten Mal überhaupt bei Spielberg – in der zweiten Gruppe wiedergefunden. Dabei ist Spielberg sogar in vielem dezent, wo er es nicht sein müsste. Dafür dass Gefährten ein Kriegsfilm ist, ergreift er zum Beispiel erstaunlich wenig Partei: Fast alle Charaktere haben helle und dunklere Seiten, Antagonisten oder sogar richtige Bösewichte kommen gar nicht vor. Egal ob Engländer, Deutsche oder Franzosen, Spielberg betrachtet alle aus dem gleichen Blickwinkel. Auch die Kriegsszenen sind kein bisschen aufdringlich gefilmt, die Kamera hat einen überraschend nüchternen Blick auf das Geschehen.

Aber auch wenn ich all das zu schätzen wusste und War Horse mich außerdem sehr gut unterhalten hat (aus all den Gründen, die Kai oben nennt, jaja, Spielberg ist magisch, zugegeben), hatte ich das Gefühl, mir wird da durch filmische Mittel etwas aufgedrängt, was ich durch die Geschichte alleine nicht unbedingt empfinden würde. Das liegt an Spielbergs großen Bildern, daran, dass man ganz schön viel einfach hinnehmen soll – dass das Pferd unglaublich intelligent ist, zum Beispiel – und außerdem an John Williams’ Musik.

Williams weiß was er tut, und seine Themen sind auch in War Horse sehr schön – aber dafür, dass es nicht nur um eine Freundschaft sondern auch um einen schrecklichen Krieg geht, sind große Teile der Score zu idyllisch und pastoral. Vor allem aber ist sie oft erdrückend emotional an Stellen, wo einem die Charaktere noch gar nicht so richtig ans Herz gewachsen sind.

War Horse ist einer dieser seltenen Kriegsfilme, die keine Agenda zu haben scheinen und überhaupt kein Interesse daran, die Boshaftigkeit dieser oder jener Seite anzuprangern. Und trotzdem ist der Film pathetisch genug inszeniert, dass man nicht anders kann als immer mal wieder ein paar Tränchen zu verdrücken – während man sich gleichzeitig fragt, warum man jetzt eigentlich genau weint.

Kai:

Desirée:

[http://www.youtube.com/watch?v=luY_D2_gFbk&w=480&h=270]

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Spielberg-esk: Super 8

Unser bisheriger Favorit 2012

Kino 2012

Das amerikanische Network NBC hat, ohne auch nur einen Piloten gesehen zu haben, ein TV-Prequel zu Thomas Harris’ Hannibal-Romanen/Filmen in Auftrag gegeben. Darin soll es um den jungen (aber nicht mehr ganz jungen) Psychiater Dr. Hannibal Lecter gehen, dessen Patient, ein junger FBI-Agent, sich zu sehr mit den Serienkillern identifiziert, die er jagt.

Normalerweise stünde ich einer neuen Hannibal-Version nach dem Fiasko des letzten Films Hannibal Rising und ohne Anthony Hopkins mehr als kritisch gegenüber, aber Autor und Produzent ist kein geringerer als Bryan Fuller, der Schaffer von Pushing Dasies. Möge Fuller sein Händchen für Makaberes und interessante Charakter-Dynamik nicht verloren haben, denn dann wäre Hannibal Lecter vielleicht die ideale Spielwiese.  Möge das Vertrauen des Senders belohnt werden; ich bin jedenfalls gespannt.

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Film-Kritik: Verblendung

The Walking Dead kehrt zurück

Unsere Lieblings-Bösewichte - mit Hannibal

PopKulturSchock bespricht die zweite Staffel von The Walking Dead - mehr oder weniger frei von Spoilern für die aktuelle Episode, möglicherweise aber mit Details zu früheren Folgen. You have been warned.

Während ich in der Sendepause angefangen habe, die Comic-Serie zu lesen (Die Besprechungen werde ich nach und nach weiter hier posten) habe ich die TV-Version erstaunlich wenig vermisst. Auch wenn die letzte Folge sehr viel wieder gutgemacht hat, war die zweite Staffel bisher – vorsichtig formuliert – durchwachsen. Aber ob man will oder nicht, jetzt ist sie wieder da, und Produzent (und Comic-Autor) Robert Kirkman hat Besserung gelobt. Angeblich nimmt er die Beschwerden der Fans ernst  und hat sowohl das Tempo als auch die dramaturgischen Schrauben in der zweiten Hälfte der Staffel kräftig angezogen.

Hinter den Kulissen ist viel passiert (unter anderem wurde die ambitionierte Idee des gefeuerten Ex-Showrunners Frank Darabont für den Anfang der zweiten Staffel bekannt), aber für die Charaktere auf Hershels Farm sind nur Sekunden vergangen. Rick Grimes hält noch immer die rauchende Waffe in der Hand, mit der er gerade Zombie-Sophia in den Kopf geschossen hat, nachdem Shane die gesammelte untote Verwandschaft von Gastgeber Hershel durchsiebt hat. Und der erste Akt von „Nebraska“ dreht sich größtenteils darum, wie sich langsam der Staub legt.

„Tot oder Lebendig“ war ein Gamechanger für The Walking Dead; der bisherige Haupt-Antrieb der (oft antriebslosen) zweiten Staffel, die Suche nach Sophia, ist mit einem Schlag zuende. Daryl, der vollkommen in der Suche nach Sophia aufgegangen war und gleichzeitig in Carol eine Art Mutterfigur gefunden hat, steht plötzlich ohne Zweck da. Rick versucht zwar nach wie vor es allen Recht zu machen, kann aber, wenn die Situation es verlangt, handeln. Und Shane, der immer der proaktive Anti-Rick war, hat plötzlich keine Funktion mehr in der Gruppe – und scheint es zu wissen.

Badass: Rick Grimes 2.0

Insgesamt ist das Tempo der Folge etwas uneben; der erste Akt ist eine Art Anhang zur letzten Folge, der zweite tapst ziellos vor sich hin und gerade wenn man sich mit einer weiteren mäßigen Episode abgefunden hat, überrascht das letzte Drittel mit einem Cliffhanger und einem ausgedehnten, spannenden Showdown. Während der unmotivierte Cliffhanger ungeschickt vorbereitet und tapsig inszeniert ist, ist die Szene in der Bar nicht nur der Höhepunkt von „Nebraska“, sondern eine der besten Szenen der bisherigen Serie.

Außerdem ist „Nabraska“ frei von den gelegentlich peinlichen Dialogen und unmotiviert herumstehenden Charakteren, die die zweite Staffel bisher geplagt haben. Während „Tot oder Lebendig“ sich noch angefühlt hat wie ein einsamer Höhepunkt einer enttäuschenden Serie, hatte ich diesmal fast das Gefühl, eine durchwachsene Folge einer guten Serie zu sehen.

The Walking Dead ist immer noch weit davon entfernt, das Potential wirklich auszuschöpfen. Das fällt nicht nur im direkten Vergleich mit der überlegenen Comicserie auf, sondern auch mit überlegenen Serien wie Breaking Bad oder Justified, in denen jeder der Charaktere so interessant ist, dass man ihm (oder ihr) auch gerne eine halbe Stunde beim Bügeln zugucken würde.  Aber immerhin scheint die Darabont-freie Serie endlich auf dem richtigen Weg zu sein. Enttäusch mich nicht wieder, The Walking Dead. Das nächste Mal nehme ich es persönlich!

Anmerkungen:

• Hat noch jemand befürchtet, dass Rick über einen Hubbel fährt und sich Glenn ins Gesicht schießt?
• Mir hat der Arm gefallen, der vom Truck fällt. Komplett irrelevant für die Handlung, aber witzig und makaber
• Noch ein Grund, warum der Showdown so gut war: Michael Raymond-James aus der grandiosen, kurzlebigen Serie Terriers

Was bisher geschah:

3.01 Zukunft im Rückspiegel / What Lies Ahead 

3.02 Blutsbande / Bloodletting

3.03 Die letzte Kugel / Save The Last One

3.04 (Die) Cherokee Rose

3.05 Chupacabra

3.06 Beichten / Secrets

3.07 Tot oder Lebendig / Pretty Much Dead Already

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Drive

Kino 2012

Feed

Trotzdem ist Der größere Teil der Welt alles andere als schweres Drama Tolstoischen Formats. Das verhindern sowohl Jennifer Egans Humor als auch die Form ihres Romans: Jedes der 13 Kapitel folgt einem anderen Charakter durch eine kurze Phase seines Lebens und springt dann durch Zeit und Raum hinweg zum nächsten.

Ein Beispiel: Das erste Kapitel folgt der kleptomanisch veranlagten New Yorkerin Sasha während eines Dates, im nächsten geht es um ihren Boss, den alternden Musikproduzenten Benny Salazar, und das dritte erzählt dessen Teenagerzeit als unbegabter Punk-Bassist aus der Perspektive eines Mädchens, das unglücklich in ihn verliebt ist.

Jennifer Egan greift tief in die erzählerische Trickkiste, um die vielen Erzählstimmen klar voneinander abzugrenzen: Nicht nur hat jede Figur ihre eigene Sprache und jedes Kapitel seine eigene Stimmung, Jennifer Egan erzählt außerdem mal in der ersten, mal in der dritten, und sogar in der zweiten Person**; manche Kapitel sind ganz geradlinig erzählt, andere sind voller Rückblenden, wieder andere wechseln zwischen zwei Perspektiven, sind in der Form eines Zeitungsartikels oder – die auffälligste Stilübung, die überraschend gut funktioniert – in Form einer langen Power-Point-Präsentation.

Man könnte wohl einen ganzen Artikel mit den Risiken füllen, die diese Erzähltechnik birgt. Das größte dürfte sein, dass der Roman auseinanderfallen könnte in eine Reihe ganz lose zusammenhängender Kurzgeschichten, wie es zum Beispiel Daniel Kehlmann in Ruhm passiert ist. Aber Jennifer Egan schafft es, die Figuren, die sich größtenteils nie begegnen, zu einem dichten Netz zu verknüpfen, das die Geschichte ganz alleine trägt.

Das macht sie einerseits durch kleine Vorgriffe und Andeutungen, dadurch, dass Figuren kurz erwähnt und erst später richtig eingeführt werden, dass sie nach ihrem “Hauptkapitel” nochmal auftauchen, mal aus einer anderen Perspektive, mal als Nebenfigur, die nur kurz durch das Kapitel geistert. Außerdem gelingt Jennifer Egan das kleine Wunder, jede ihrer Figuren innerhalb der wenigen Seiten, die sie ihnen widmet, zu lebenden, atmenden, ungeheuer menschlichen Wesen zu machen.

Aber dass Der größere Teil der Welt mehr ist, als eine hervorragend inszenierte Stilübung, dass man mit jedem Kapitel tiefer in diese Welt gezerrt wird, bis man sie zum Schluss überhaupt nicht mehr verlassen will, obwohl es kein großes, übergreifendes Narrativ gibt, hat einen anderen Grund. Jennifer Egan versucht es im Power-Point-Kapitel selbst zu erklären, durch den Mund des 13jährigen Lincoln, den nichts mehr fasziniert als Pausen in Rock-Songs: Die Pause lässt Dich glauben dass der Song vorbei ist. Und dann geht er weiter und Du bist erleichtert. Aber dann endet der Song tatsächlich, weil natürlich jeder Song irgendwann endet, und DIESES.MAL.IST.ER.WIRKLICH.VORBEI.

Bei Jennifer Egan pausiert kein Song, auch wenn sowohl ihre Sprache als auch viele ihrer Figuren sehr musikalisch sind. Sondern es pausieren die Geschichten ihrer Figuren, während sie eine, zwei, drei oder zehn andere Geschichten erzählt. Wir wissen zwar genau, wie viele Seiten uns noch bleiben, aber nie, ob die Geschichte dieser oder jener Figur (die uns an diesem Punkt schon ganz schön ans Herz gewachsen sind) weiter erzählt wird oder ob wir ihnen nie wieder begegnen.

Stilistisch brillanten Büchern fehlt gelegentlich das Herz (siehe etwa Julian Barnes’ Ende einer Geschichte), aber Jennifer Egan ist davon meilenweit entfernt. Im Gegenteil: Wenn die Leser Egans Figuren nicht verfallen würden und mehr über sie erfahren wollten, wäre Der größere Teil der Welt ein spektakulärer Fehlschlag. Aber die Figuren sind so kompromisslos menschlich, so verrückt, zerbrechlich, sarkastisch, warmherzig und grausam, dass man ihnen überall hin folgen würde – wesentlich weiter als knapp 400 Seiten durch Jennifer Egans fantastisches Buch.

*Was es mit dem deutschen Titel auf sich hat, ist mir allerdings weniger klar.

**Du betrachtest Drew durch im Sonnenlicht wabernde Hasch-Rauchschwaden. „Behaupte bloß nicht, Du hättest nicht inhaliert“, sagst Du ihm.

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Verblendung

Hoffnungen fürs Literaturjahr 2012

Booker-Prize 2011

Grüße von Harold Lloyd

Gleichzeitig mit Hugo startet in den Kinos auch die neue, 3D-isierte Fassung von Star Wars Episode I – The Phantom Menace. Oberflächlich haben die zwei Filme einiges gemeinsam – die Regisseure Martin Scorsese und George Lucas sind beide Wunderkinder der „New Hollywood“-Bewegung, der ersten Filmschulgeneration der Traumfabrik – und beide Filme betonen ihre 3D-Optik. Während allerdings Hugo eine verspielte Hommage an die Magie des Kinos ist, eine Liebeserklärung an die ersten bewegten Bilder, weckt das Star Wars-Prequel vor allem den Wunsch, Lichtspielhäuser in Zukunft ganz zu meiden und stattdessen mehr zu lesen.

Die Vorlage zu Hugo, Brian Selznicks vielgepriesene Graphic Novel Die Erfindung des Hugo Cabret, erzählt eine kurze und gradlinige Geschichte: Weisenkind Hugo lebt im Pariser Bahnhof, zieht die Uhren auf und bastelt an einem mechanischem Mann, den sein Vater ihm hinterlassen hat. Auf einem seiner Streifzüge durch den Bahnhof trifft er den Spielzeughändler Georges, der Hugo  verdächtigt, ein Dieb zu sein und ihm eins seiner wertvollsten Besitztümer abnimmt – das Notizbuch seines Vaters, voll mit Skizzen und Notizen zum mechanischen Mann.

Gut bemessener Slapstick: Sacha Baron Cohen als Stationsinspektor

Scorseses Film hält sich vergleichsweise eng an die Graphic Novel; hier und da fügt er eine Szene ein, meistens Flashbacks oder Traumsequenzen, oder dehnt eine Begegnung aus, folgt aber sonst dem Handlungsgerüst. Selznicks Vorlage, weniger ein traditioneller Comic als eine Mischung aus Roman und Storyboard, ist nicht ohne Schwächen: Warum zum Beispiel will Hugo das Notizbuch lieber verlieren als zu erzählen, dass es seinem Vater gehört? Das Drehbuch von John Logan (Gladiator) bügelt zwar einige davon aus, ist aber auch nicht perfekt.

Hugo richtet sich nicht nur an Kinder, sondern, mit vielen augenzwinkernden und gleichzeitig nostalgischen Hommagen an die Pioniere des Films, auch an Cineasten. Die mögen diskutieren, ob es Frevel ist, Filme von Georges Méliès (im Film perfekt besetzt mit Ben Kingsley) zu 3D zu konvertieren und digital neue Schauspieler einzufügen (hier horcht George Lucas auf). Aber wenn Scorsese sich für solche Eingriffe entscheidet, dann immer im Dienste der Story.

Hugo hat eine ähnliche Gesinnung wie ein anderer aktueller Film: der Stummfilm-Abgesang The Artist – ein französischer Film, der in Hollywood spielt (während Hugo ein Hollywood-Film ist, der in Frankreich spielt) – aber der perfekte Gegenpart für ein Double-Feature ist Gioseppe Tornatores Nuovo Cinema Paradiso, ebenfalls eine Liebeserklärung an das Kino, die ähnlich effektiv mit einer Montage alter Filmschnipsel Emotionen erzeugt und auf die (Cineasten-)Tränendrüse drückt.

Auch wenn ich ein erklärter 3D-Skeptiker bin – bei Hugo bilden Look und Inhalt eine stimmige und fast zwingende Einheit. Die Leinwand wird zu einer cineastischen Spielkiste für Scorsese, in der er sich ohne Abstriche,  und ohne jegliche Spur von Zynismus, austobt und mit Humor, Gefühl und kreativen technischen Spielereien seiner Liebe für die sorglosen ersten kreativen Gehversuche des Kinos in jeder Einstellung Ausdruck verleiht.

Bewegte Bilder bei PopKulturSchock:

Konkurrenz für Disney

Graphic Novel: Habibi

Highlights 2012

Der Starttermin ist noch in weiter Ferne (bei uns der 3. Juli), aber um die Wartezeit zu verkürzen, spendiert Sony einen neuen Trailer zu Marc Webbs Spider-Man-Reboot. Im Gegensatz zum ersten Teaser gibt es etwas mehr von der Story zu sehen sowie einen ersten Blick auf Lizard (Rhys Ifans).

Inzwischen sieht Webbs Film tatsächlich kaum noch aus wie Sam Raimis Trilogie. Mit dem Amazing Spider-Man-Trailer und dem Superbowl-Spot zu Joss Whedons Avengers sieht 2012 nach einem großen Jahr für Comic-Helden aus.

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Attack the Block

Teaser: The Avengers

Kino 2012

Aber nach Jahren voller Drama und legendär verpatzter Auftritte melden sich Van Halen jetzt mit einem neuen Album zurück. Den Bass auf „A Different Kind of Truth“ spielt kein geringerer als Eddie Sohn Wolfgang und am Mikrofon steht wieder der clownige Van Halen Ur-Sänger David Lee Roth.

Wer wie ich mit einer mittleren Katastrophe gerechnet hat, dem dürfte auch die erste Single nicht gerade mit Vertrauen erfüllt haben. „Tattoo“ klingt nach einer müden Variante von Van Halen anno “1984″, und ist einfach kein besonders toller Song. Besonders der etwas repetitive Refrain „Tat-too, Tat-too” nervt mehr als er mitreißt.

Umso größer die Überraschung als die erste Töne des zweiten Songs „She’s the Woman“ anklingen – das rockt! Es klingt kein bisschen wie die Alben der „Van Hagar“ Ära nach 1984, sondern knüpft nahtlos an die ersten fünf Alben an. Alex Van Halens (oft unterschätzte) Drums grooven wie in alten Zeiten und selbst David Lee Roths Stimme scheint kaum gealtert zu sein. Vor allem aber haben Van Halen sichtlich (hörbar) Spaß. Der unverwechselbare Hintergrundgesang von Michael Anthony fehlt zwar, aber der Sound stimmt einfach.

Während der restlichen Songs weicht diese Überraschung zuerst Unglauben, dann Begeisterung – „She’s the Woman“ ist nämlich nicht wie befürchtet ein Ausreißer, sondern repräsentativ für den Rest des Albums. Und die Achillesverse von “A Different Kind of Truth”, der mit Abstand schwächste Track, bleibt tatsächlich die Single „Tattoo“.

Auch wenn etwa die Hälfte der Songs (inklusive „Tattoo“) in der ersten David Lee Roth-Ära, circa 1980, entstanden ist, ist qualitativ kein Unterschied zwischen den „alten neuen“ und den „neuen neuen“ zu hören. An über-Titel wie „Panama“ oder „Mean Street“ kommt zwar nur das geniale „You And Your Blues“ ran, dafür ist das Nivau konstant hoch und muss sich hinter alten VH-Alben wie “Women and Children First” nicht verstecken.

Der teil-akustische Song „Stay Frosty“ klingt ein bisschen wie das Blues-Cover „Ice Cream Man“ von Van Halens erstem Album und „Chinatown“ greift den Vibe von „Atomic Punk“ auf. Aber auch wenn sich Eddie & co. hin und wieder selbst kopieren und dabei bemühter klingen als sie müssten – wenigstens ist die Kopie gelungen.

Hätte man mich vor ein paar Monaten gefragt, worauf ich mich wohl mehr freue – das neue Album von Chickenfoot, dem Projekt von Van Halens Michael Anthony, Ex-VH-Sänger Sammy Hagar, Gitarren-Maestro Joe Satriani und Chili Peppers-Drummer Chad Smith oder ein neues Album von Van Halen, hätte ich a) nicht geglaubt, dass besagtes Album jemals erscheint und b) mir nicht vorstellen können, dass es an die Klasse von Chickenfoot heranreicht, geschweige denn die der großen Van Halen-Alben.

So kann man sich irren.

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Altrock

Three - The Ghost You Gave To Me

Pain of Salvation - Road Salt Two